Creación artística y expresión. Parte 1

Por Jésica Cichero

Me gustaría hablar de la creación artística más allá de la disciplina elegida para expresarla. Voy a tomar como punto de partida una entrevista a la compañía de danza y poesía Lake Angela que realicé a fines del 2017, en inglés, y que ahora he traducido al castellano.

En esta primera parte compartiré la entrevista y en la segunda haré un análisis y comparación del ejercicio creativo entre las disciplinas de la danza, la poesía y el dibujo.

Conocí a Angie en Barcelona en el año 2016. Yo andaba buscando una clase de danza con un enfoque diferente, que en lugar de centrarse en “seguir pasos”, se centrara en explorar las posibilidades expresivas del movimiento. Nada de estilos en especial, sino verdaderamente sumergirse en la emoción creadora del movimiento. Angie daba clases bajo el título de “Creative Movement”.Y fué perfecto.

Además encontrar el tipo de experiencia que esperaba, encontré en ella y en Kevin, su esposo, grandes personas que me alegra poder llamar amigos. Ambos tienen estudios en literatura y curiosamente trabajan con el movimiento. En él encontraron un lenguaje que admitía un espectro mayor de expresión que las palabras y con esto experimentan actualmente.

Al compartir con ellos dos bellos años de encuentros, y tomando como punto de partida su último proyecto Esokapi Mystika* en aquel momento, decidí hacerles la siguiente entrevista para poder compartir su método de trabajo y filosofía. Encuentro en ellos la mejor expresión de la creación artística, lejos del mercadeo o marketing, lejos de públicos objetivos, de las etiquetas y de lo nombrable o contabilizable… y muy cerca del amor, la exploración, la conexión (con los sentimientos, la observación del mundo, de la vida) ¡y la acción por la acción!.

Por otro lado, además de que con la entrevista se logra condensar los temas que rondaban nuestras largas y caóticas conversaciones sobre todo tipo de temas lingüísticos y de movimiento, consideré valioso dejar por escrito los profundos e intrincados pensamientos, sentimientos y decisiones que conllevan un hecho artístico, que nace de la necesidad genuina de expresarse. Que no busca agradar, sino existir, que es muy distinto. Y como algo tan básico y profundo en el ser humano, también necesita de trabajo, de esfuerzo y de dedicación**, para poder cobrar forma y nacer.

Te invito así, al encuentro con un nivel más profundo, con eso que subyace y conecta. Con eso que no se puede evitar, que es necesario y básico, y que en los tiempos que corren simplemente pareciera no existir, pero que ahí está. Que te espera cuando estés listo. A ese lugar donde yo considero que está la felicidad de, realmente, lanzarse y crear. Vivir.


*Esokapi Mystika es una danza de curación, una danza mística y un poema creador por la Cia. Lake Angela***, dedicado a Mama Prayerwalker.

** Valores en los que coincidimos con nuestro proyecto con David en Entusiasta Gallery. 

***Más sobre la Companya Lake Angela en su web: https://lakeangeladance.com/

Puedes leer el texto original en inglés en: https://swingingcreature.blogspot.com/2017/12/esokapi-mystika-danza-lenguaje.html

Esokapi Mystika de la compañía Lake Angela.

La historia detrás de Esokapi Mystika

Definición

¿Cómo definirías “Esokapi Mystika”?

“Esokapi Mystica” es un conglomerado de términos de dos tradiciones aparentemente muy diferentes, pero que entiendo que se entrelazan tanto en la práctica como en el propósito. El término, “Esokapi”, es Siksika (o Pies Negros) y Mystika es una variación del término, “mystica”, del ideal místico medieval de “unio mystica”, o unión con lo divino, generalmente como resultado de la intensa emoción y el sufrimiento en las prácticas de las mujeres. Un anciano de nuestra familia Blackfeet, Silverhawk, describe Esokapi como una forma de connotar que “todo es uno, todo es bueno”. Esokapi es el “unio mystica” de todas las criaturas, a mi entender. De esta manera, nuestra pieza es una especie de creación positiva a partir del conocimiento apofático hecho posible por un proceso activo e intuitivo de pensar con todo el cuerpo, el cuerpo que continúa cambiando de forma y transformándose con las “otras” criaturas e ideas que encontramos en movimiento.

Hicimos una parte importante de nuestro baile alrededor de la pared cubierta de graffiti en Sant Martí, Barcelona, con el espíritu de caminar la rueda de la medicina, y allí comulgar y convertirnos en las cuatro criaturas de la rueda: el bisonte, el águila, el coyote, el oso. Sin embargo, sentimos la necesidad de bailar la rueda en reversa, o “hayoki”, comenzando con el oso y moviéndonos “hacia atrás” alrededor de la rueda. Pretendíamos esta inversión en la dirección y en nuestra danza alrededor de la rueda como una oración por la curación por muchas razones…

Inspiración

¿Cómo comenzó Esokapi Mystika?

La película comenzó con el desarrollo de las coreografías para dos bailes diferentes que me di cuenta de que tenían intenciones poderosas y armoniosas. Una de las coreografías se basa en la danza de la rueda de la medicina transformadora descrita anteriormente, y la otra comenzó como un diálogo con la poesía de la beguina medieval, Angela de Foligno, y mi propio “Poema de amor” crónico y violento, entre mis múltiples variaciones (también místicas) sobre el Poema de amor. En el proceso de traducir la poesía de Angela of Foligno y la poesía de Lake Angela (al inglés y al movimiento), descubrí que las palabras que invoca para describir su sufrimiento son casi las mismas que las que hacen a mis poemas. Quizás lo más interesante es que sentí que el proceso de transformarse en Angela a través de las acciones de sus palabras se correlacionaba con el de invocar en la danza al oso, al coyote, al pájaro y al bisonte que llamamos mientras nos movemos alrededor de la rueda de la medicina.

Debido a que la danza como lenguaje es activa en la creación de lo que “nombra”, podemos llegar a través del tiempo y la experiencia y a través de las especies y la identidad cuando “actuamos”. Pongo el término “performance” entre comillas porque en la danza, una forma de saber que implica pensar y convertirse con todo el cuerpo, “Esokapi” o “unio Mystica” se convierte en la realidad transformadora en lugar de una actuación.

Al principio, sin embargo, comenzamos este proyecto con la intención de darle algo a Mama Prayerwalker, nuestra madre Blackfeet que fue diagnosticada con cáncer de mama casi al mismo tiempo que nos fuimos a Barcelona. Debido a que estábamos tan lejos y no podíamos visitarla como estábamos acostumbrados, decidimos hacer un baile para Prayerwalker para enviarle nuestro amor, y cuando bailé la rueda bailé para ella, y escuchamos su llamado en los espíritus con su ocarina.

Proceso de trabajo

¿Cuál es el proceso de trabajo de Cia Lake Angela? (¿Cómo se inicia un proyecto? ¿Quién hizo qué? ¿Cómo elegiste las partes que aparecen en la película?)

Eres parte de la Cia. ¡Lake Angela, también (como nuestra ilustradora-bailarina residente)! En la mayoría de nuestros proyectos hasta ahora, hemos comenzado con la fusión de poesía y coreografía. He desarrollado un método para convertir mi poesía en movimiento. Kevin y yo discutimos el concepto y dejamos un amplio espacio para que nuestro pensamiento se desarrolle y cambie porque la transformación siempre es un objetivo, así como una forma de trabajar para nosotros. Empiezo a coreografiar los significados que siento con más fuerza y lo que parecen ser los momentos cruciales para la pieza. Kevin me dice si algún movimiento parece que no ha sido imbuido de un significado real. No queremos ningún movimiento que no tenga sentido, por lo que a veces se descartan partes más estéticas o técnicamente más bellas en favor de movimientos más ásperos y evocadores o más funcionales, necesarios para un momento particular; por ejemplo, recortamos gran parte de mi danza basada en Angela de Foligno en favor de filmarme arrastrándome, simple pero insoportablemente, por los escalones del Teatre Grec bajo la lluvia y subiendo las piedras y colinas sobre la ciudad. Kevin filma y refilma todo esto en un iPad. A menudo nos quedamos sin espacio y debemos eliminar mucha información. Él decide qué guardar, cuántas tomas filmar, y desde dónde, cuándo y cómo filmar, porque él es un buen director, y si me dejara a cargo me volvería obsesiva y nunca querría parar.

En el proceso de edición de Esokapi Mystika, Kevin editó las dos películas de danza donde inherentemente parecían cruzarse hacia el mismo propósito. Ambos tienen viajes, y las coreografías expresan estas trayectorias con momentos de viaje en direcciones claras. Lo que me parece especialmente interesante de estos viajes paralelos es que “esokapi” forma una rueda; los animales no humanos bailan un ciclo que es, por supuesto, horizontal y continuo: un círculo de reconciliación natural. La criatura que es mujer transmite los mismos propósitos que las criaturas, pero su trayectoria debe superar la propensión humana (androcéntrica) hacia la verticalidad y la jerarquía. Debido a que comienza en el punto “más bajo”, como una “mujer” o “gusano” en los textos, la parte mística de la coreografía es una subida vertical desde una “jaula” o gruta. Por lo tanto, los objetivos de ambas partes son paralelos, pero los “patrones de piso” de la coreografía en realidad son perpendiculares. Planificar y ejecutar detalles como este me agrada.

Antecedentes

Ambos tienen estudios en literatura. ¿Cómo se involucraron con la danza?

Comencé traduciendo poesía del alemán al inglés y descubrí que podía traducir un poema de cientos de maneras diferentes, y todas eran “correctas”, sin embargo, la gama de significados prospectivos era inmensa. Encuentro este concepto de movilidad del lenguaje tan fascinante como intuitivo en el proceso de pensamiento, antes de que el lenguaje se vuelva “fijo” por verbalización. Finalmente me encontré buscando un lenguaje más ambiguo para mis traducciones que el lenguaje verbal humano, y lo encontré en la danza. Para mi doctorado, traduje el trabajo de Georg Trakl a la danza bajo la supervisión de mi mentora de danza, Michele Hanlon. Me entusiasma probar todo tipo de danza a la que me acerco, con el fin de aprender diferentes formas de moverme y aumentar la capacidad de mi cuerpo para crear o efectuar múltiples significados, preferiblemente simultáneamente.

Puede que Kevin no tuviera la intención de convertirse en bailarín, pero se enganchó después de que le pedí que participara temporalmente en mi coreografía para Silence Spoken… en la Universidad de Texas en Dallas. Teníamos un acuerdo de que él participaría hasta que pudiera encontrar un bailarín para ese papel. El rol requería un bailarín que pudiera realizar el movimiento del color negro en los poemas de Trakl. Al final, Kevin se involucró de tal manera en el movimiento que creamos para él que no quería ser reemplazado; y actuó en toda la actuación de largometraje. Estaba muy contento con esta decisión porque había pensado el papel para él desde el principio. Trabajamos bien juntos porque compartimos un lenguaje en la poesía. Kevin comprende los significados que describo en la coreografía porque también es escritor y actor, por lo que es particularmente interesante describir el movimiento y verlo manifestarse en él. También tenemos la misma filosofía de que una actuación no debe detenerse con la actuación, sino que debe efectuar una transformación. ¡Esta convicción, un lenguaje mutuamente poético y una relativa intrepidez lo convierten en un buen bailarín para mí!

Escritos de mujeres místicas

¿Cómo comenzó tu relación con las mujeres místicas?

Antes de nombrarme a mí misma como mi lugar de nacimiento, el Lago (Lake), yo era Ángela de Foligno. He pasado mucho tiempo con mujeres místicas medievales a través de tradiciones espirituales, pero me atraen las prácticas particularmente violentas e inusuales de las beguinas medievales. Más racionalmente, pasé tiempo sumergiéndome en el trabajo creativo místico como intérprete en la ópera de Hildegarda de Bingen, Ordo Virtutum, y he traducido el trabajo de Mechthild de Magdeburgo e Isabel de Spalbeek al inglés y a la danza. Me interesan las prácticas creativas y “religiosas” de las mujeres medievales porque me parece que se convierten en Dios dentro y a pesar de los confines androcéntricos de sus contextos, contextos que creo que no son muy diferentes hoy en día, pero que tal vez simplemente se expresan en diferentes sutilezas. Entiendo la forma en que Angela entiende, y mis poemas también parecen surgir de un espacio que converge.

Pies Negros

¿Cuál es su relación con la comunidad Blackfeet?

Nos mudamos a Texas para mi trabajo doctoral, y una comunidad de Blackfeet, o Siksika, que vivía allí nos llevó a su familia, The Many Faces People (La Gente de Muchos Rostros). Hemos aprendido mucho de ellos, incluyendo las prácticas y ceremonias y nuestros roles en la familia. Afortunadamente, los miembros de nuestra familia también son artistas que se animan y apoyan mutuamente. En la familia hay cantantes y narradores. Prayerwalker y Silverhawk también son artistas multimedia. Su casa está llena de obras de arte, y algunas de las de Silverhawk se pueden ver en The Four Feathers Trading Post. (https://www.facebook.com/FourFeathersTradingPost)

Coreografía

¿Puedes describir los elementos que mezclaste para dar forma a las coreografías de Esokapi Mystica?

Incluimos la rueda de medicina, cuatro direcciones y criaturas, y bailamos hayoki. También incluimos mi traducción de mi propio poema de amor, sanación y sufrimiento. En los momentos de la película en los que las dos trayectorias que se cruzan, el “esokapi” y el “mystika”, se fusionan más claramente, coreografié un ritmo hecho golpeándome a mí misma en la danza de mi poema de amor. Escuché que ese ritmo se convertía en el ritmo del tambor cuando comencé a moverme alrededor de la rueda (en este caso, la pared de graffiti). El elemento más importante a través de la coreografía, por supuesto, es el de la transformación activa. Creo que para comunicar este tipo de material, es necesaria una encarnación real del significado, en otras palabras, no una actuación sino una transformación en un “otro” que también somos nosotros: esokapi: mystica.

Graffiti, arte mural y vida vecinal

En el vídeo podemos ver el graffiti, el arte mural y la vida vecinal, no solo como fondo sino como elemento activo. ¿Qué tan importante fue tener esto en la película? El vecindario fue un concepto importante para nosotros, y primero filmamos esas partes del proyecto. Esta fue la base sobre la cual se construyeron las partes “verticales” y menos estables del proyecto. Queríamos que el barrio fuera un participante real en la película, un actor que también cambiara y se transformara. Si te fijas en dónde vuelvo a la parte del oso de la rueda al final del baile alrededor de la pared, el graffiti ha cambiado casi por completo. Vivir en este barrio era así: los vecinos eran gitanos con cuyos hijos jugábamos y que eran expulsados de las casas que ocupaban y sus casas demolidas. Eso se mostró brevemente en las imágenes de demolición al comienzo de nuestra película.

Vimos a estos refugiados trabajando en la calle para recoger la basura de otras personas solo para tener que evacuar y vivir en la calle nuevamente. De manera paralela, todo tipo de personas vinieron de todas partes del mundo para pintar en la pared. El muro siempre estaba cambiando. Queríamos que el vecindario fuera un co-actor en la película debido a “esokapi” y porque este era un baile para la curación, un baile para Mama Prayerwalker, pero también para el vecindario, nuestros vecinos, los árboles maltratados y las colonias de gatos que sobreviven y viven allí. Era importante para mí que los vecinos pudieran ver lo que estábamos haciendo y filmando y tener la oportunidad de unirse, comentar y participar si querían cambiar o impactar en este trabajo de una manera más abierta. Por supuesto, su influencia está ahí independientemente. El caballo al comienzo de la película es un remanente que ha sobrevivido entre los escombros de las casas demolidas. Queríamos que todo nuestro vecindario tuviera la oportunidad de hablar con nosotros, preferiblemente de la manera que eligieran.

Filmografía, dirección

Barcelona ofrece grandes escenarios, pero los tomaron y los transformaron con su particular visión. ¿Qué les hizo tomar esas decisiones con respecto a la ubicación y el uso de la cámara?

Elegimos lugares que se ajustaban a las intenciones de la coreografía, pero lo más importante, elegimos lugares en los que habíamos pasado mucho tiempo y sentíamos que conocíamos muy bien. Elegimos lugares en los que habíamos vivido y con cuyos habitantes y entornos habíamos conversado. A pesar de todos los transeúntes, estos todavía se sentían como espacios algo aislados de la gente humana y vivos con rastros de otros habitantes. Me gusta trabajar con ruinas; me atraen mucho los lugares antiguos y que se desmoronan con la muerte y la decadencia, donde se puede ver evidencia de diminutas malezas que se arrastran a través de los fragmentos para reclamar sus hogares y caras de piedra desgastadas descritas por el viento y el sol.

También sucedió que filmamos en varios días lluviosos, que son inusuales en Barcelona. Pero me encanta bailar en la suciedad y la tierra, y decidimos que bailo mejor en esas condiciones, como en el pozo del Grec en medio de los vidrios rotos, la piedra y la lluvia.

Música

Cuéntennos sobre la música y el trabajo de sonido que elegieron e hicieron para Esokapi Mystika.

Nuestras ideas sobre la música para la danza se correlacionan con nuestras ideas sobre la edición. Tratamos de elegir los clips que transmiten los personajes y significados más interesantes y genuinos, no necesariamente aquellos con la mejor ejecución de los bailes o la técnica. Normalmente, Kevin hace la música él mismo para complementar su cinematografía y mi coreografía e interpretar nuestra actuación con otra voz. Por ejemplo, Kevin creó la música para uno de mis poemas de danza como un collage de sonido usando tenedores y cuchillos como instrumentos y llamadas específicas de pájaros que sentía que comunicaban los significados. Al igual que con nuestro equipo de video (un iPad), usamos lo que está disponible, y Kevin crea un trabajo interesante con las limitaciones. El sonido también depende de las necesidades de la pieza en términos de cuánto se coreografía y cuánto se improvisa. En el clip que describí anteriormente, bailé con recuerdos de la ocarina, el sonido ambiental y las inspiraciones de Mama Prayerwalker porque nunca coreografié con música y rara vez bailo con música. Encontramos o Kevin hace y añade toda la música después. Esa es la última parte de nuestro proceso.

Al mismo tiempo, aprecio la transformación que se produce cuando se agrega la música. Durante nuestro rodaje en Barcelona, por lo general había espectadores. Casi siempre trabajamos en espacios públicos, y las personas son libres de ver, unirse, comentar, interactuar. Sin embargo, también corremos el riesgo de que la gente grite cosas crudas y nos abuchee. Eso puede ser difícil para mí cuando presento mi propio trabajo en mi cuerpo, esta es una situación vulnerable. Especialmente en este sentido, es interesante observar la diferencia entre el entorno “real” durante la actuación y la “otra” realidad en la que se convierte la danza cuando Kevin agrega la música que transmite cómo pretendemos que se sienta la obra.

Algunas músicas parecen funcionar perfectamente. Por ejemplo, elegimos la canción de Sofia Jannok para una escena de escalada sobre la ciudad de Barcelona en la que el viento es particularmente activo. La canción en realidad no es una canción sino un yoik, que es un concepto místico en sí mismo: un yoik es una forma tradicional de expresión sami que invoca lo que se llama en el yoik. En este caso, la artista, Sofia Jannok, en realidad está cantando el viento. De manera similar, en este metraje, el viento parece estar hablando aún más vívidamente que la mujer que se arrastra por la colina.

Bailando, viviendo y sobreviviendo en Barcelona

Ustedes dos vivieron en Barcelona durante al menos dos años. ¿Cómo fue su experiencia? ¿Cómo era el panorama de la danza según sus experiencias?

Me gusta la imagen de un panorama de danza. Los estilos de baile que se enseñan y practican en Barcelona son muy diferentes de los que estudié en Texas. Las clases de baile en los Estados Unidos parecen mucho más enfocadas técnicamente y sonoras, mientras que las de Barcelona parecen encaminadas a desarrollar un lenguaje de baile diferente que comienza con la premisa de “desaprender” ciertas técnicas. Hay una calidad juguetonamente flexible, casi de cachorro, apreciada en muchas de las clases contemporáneas en las que participé en Barcelona. Realmente aprecio la actitud hacia la experimentación, el desarrollo, el juego y el contacto físico en Europa, tal vez porque me encanta jugar, experimentar y mezclar medios yo misma.

Me gusta levantar las restricciones de estas maneras. Una de mis partes favoritas de la escena de la danza en Barcelona es el acceso constante a actuaciones interesantes, en el Grec todo el verano, por ejemplo, y la variedad de géneros de baile a la mano. Nuestro barrio tenía artistas flamencos locales de muy buena calidad, y tuve la oportunidad de practicar capoeira con un grupo fantástico que tenía cerca, Capoeira Matumbé Barcelona con CM Felipe Fofinho. También aprecié cómo personas de todas las edades y orígenes asistían a clases y eventos de baile; la danza no está enfocada solo a los niños en Barcelona y atrae a un público más amplio. Disfruté trabajando con la variedad de participantes en las clases de movimiento creativo que celebramos en el Eixample y la voluntad de todos de experimentar y moverse fuera de sus espacios de confort. Considero que todo tipo de lenguajes de movimiento intencional son danza de alta calidad, y aprovecho cualquier oportunidad de aprender nuevas formas, para seguir ampliando la gama de posibilidades para el lenguaje de movimiento de Cia Lake Angela.

Ahora y futuro

¿Y ahora qué?

Recientemente, participé en una colaboración para un proyecto de la artista sueca, Tanne Uddén, sobre diferentes ideas de feminidad y lo que ese término podría significar. Cia Lake Angela acaba de grabar un breve tributo de baile-capoeira para la celebración del cumpleaños de CM Fofinho. Todavía estoy desarrollando mi contribución de cuatro partes a “Chaos” y comenzando la coreografía de la primera parte, “Women”, que combinará el video con la danza en vivo. ¡Estoy seguro de que realizaremos este trabajo con Jésica Cichero y David Pugliese cuando sea el momento adecuado y más caótico!

BONUS

¿Hay algo que quieran añadir que no se me ocurriera antes de hacerles esta entrevista?

Gracias, Jésica y David, por su dedicación a las artes, incluida la danza. Los amamos.

Default image

Jésica Cichero

Jésica Andrea Cichero, nació en Buenos Aires, Argentina en 1985.
Es ilustradora y diseñadora gráfica.
Desde el año 2012 dicta un taller de arte integral infantil.
Es fundadora de Entusiasta Gallery junto a David Pugliese.

Articles: 1