por Entusiasta Gallery
Con motivo de la exposición número uno de Entusiasta Gallery dedicada a Ezequiel Quines, presentamos esta entrevista al artista.
Los comienzos
¿Cuál es tu formación?
Estudié desde chico en la Escuela Municipal de Bellas Artes Carlos Morel y en la escuela de Carlos Garaycochea, una vez que terminé la secundaria estudié en talleres particulares, en los de Guillermo Roux y José Marchi sobre todo.
¿Cómo fue el cambio del dibujo humorístico y la caricatura a las artes plásticas?
Creo que se dio naturalmente; las mayores preocupaciones que tenía en el humor gráfico de algún modo siempre fueron cómo resolver el trabajo en cuanto recursos formales de la imagen, en cambio los chistes, narraciones o personajes eran una excusa para poder jugar con los materiales, con las formas y colores.
Esas preocupaciones tenían el sustento de cuando estudiaba dibujo con Garaycochea; él transmitía su preocupación por la línea y por la plástica en sí. Si bien enseñaba principalmente dibujo humorístico también era pintor abstracto, de modo que nos mostraba sus libros de grandes dibujantes de la gráfica como de pintores. De esa manera él ya había sembrado las inquietudes que más tarde decantaría en el terreno que me muevo actualmente.
También sucedió en el orden que está formulada la pregunta, pasé del dibujo humorístico a la caricatura y luego a las artes plásticas (no de una forma tan lineal y fluida pero sí en cuanto el tiempo que les fui dedicando a un lenguaje y quitando a otro). Creo que la caricatura desplazó en principio la preocupación por la narración y poner foco en otras sutilezas visuales, como la manipulación de las formas, pero que sigan respondiendo y evocando un personaje en particular, y teniendo de referentes a grandes artistas como podría ser Carlos Nine – que articulaban estas formas de trabajo – pasar a las “artes plásticas” se me volvió más obvio.
¿Cuáles creés que son las diferencias y los puntos en común? (Entre el dibujo humorístico y la plástica).
El punto en común principal, como cualquier disciplina artística, es que tiene la condición y posibilidad de un desarrollo creativo-artísitico, que luego desemboca y se manifiesta según las propiedades aparentes de cada lenguaje.
De este modo la diferencia principal tiene que ver con las condiciones de juego de cada disciplina, o al menos el que yo encuentro en mi experiencia, y es que en el dibujo humorístico, la ilustración y la caricatura el centro de gravedad está puesto en la narración (sea un chiste, un mensaje o la caricatura de un personaje) y el uso de los materiales está en función de esta narración, en cambio en la plástica el punto de anclaje es la materialidad misma; el mensaje, la narración etc, giran alrededor de los acontecimientos pictóricos.
Dicho de otro modo si en el dibujo humorístico sacrifico el parecido de un personaje o el mensaje a comunicar por una “mancha” o una buena resolución visual estaría errando el blanco, y en la plástica es al revés: si sacrifico un desarrollo pictórico en función de algo que pretendo contar estaría “fallando” a lo que le es propio a la disciplina. Al menos de este modo se me presenta a mi y de esta forma intento teorizar.
Sin embargo dejando la “teoría” de lado es indudable que dibujantes que se mueven comercialmente en el territorio del “dibujo humorístico”, son mucho más plásticos que personajes que se mueven comercialmente en el mercado de “las artes plásticas”, y “artistas plásticos” que son más narradores que dibujantes humorísticos. Y algunos otros que equilibran ambas cosas.
Método de trabajo
¿Cuántas horas al día dibujás/pintás? ¿Cómo es tu rutina de trabajo?
Estos últimos años las horas que le puedo dedicar por día son más impredecibles y acotadas, tengo una hija y mi mujer también es artista (Madelaine Gamondés), así que vamos haciendo malabares y organizando el tiempo para que cada uno se dedique a sus proyectos artísticos personales. Intento que sea al menos 4 horas diarias. Pero pueden estar distribuidas en cualquier momento del día. Siempre que haya como mínimo 3 horas de trabajo de corrido.
“Mi vínculo con estas disciplinas parte desde la relación con los materiales, buscando interacciones que desconozca, combinando materiales o usándolos de modo azaroso. Esta relación plástica con los materiales es la que va construyendo un lenguaje y el mensaje en mi trabajo. Suelo recurrir a temas que me remitan a lo sagrado como estado anímico, pudiendo ser desde imágenes de la iconografía religiosa hasta fotografías que son parte de mi cotidianidad.”
Ezequiel Quines
Esto lo leímos sobre tu trabajo y en base a esto te preguntamos: ¿Cuál es tu método de trabajo?
En general tengo cuadernos de bocetos donde dibujo, pinto y pruebo cosas de forma más despreocupada. Cada tanto aparece algo que me llama a investigarlo con mayor profundidad y detenimiento, a veces generando un proceso de trabajo que termina conformando una serie. Es decir que la primera preocupación que tengo es acerca de los recursos formales, sean sobre los materiales y sus posibilidades o sobre ideas compositivas.
Cuando tiene que ver con una composición, sea de forma o color, generalmente se da cuando no estoy trabajando, me viene una imagen, y la anoto en otro cuaderno que tengo para estas cosas, pueden ser cosas muy vagas, y en general cuanto más difusa sea la idea mejor termina siendo el resultado que consigo. Puede ser la idea de hacer algo pequeño y oscuro contra un fondo más oscuro y luego utilizó una imagen como excusa para poder resolverlo. Son estas ideas compositivas o en las investigaciones plásticas, que al anclarlas en una imagen en particular se va desarrollando un sub-lenguaje, e incluso un mensaje en forma de diálogo.
De modo que voy pensando lo que va apareciendo, pensar en el proceso (y no antes) me da pie para los siguientes trabajos. Cuando se van configurando constelaciones de ideas y/o casualidades significativas que se van dando por fuera del plan que podría haber trazado en un principio, es cuando confirmo si voy por buen camino. Si los resultados responden literalmente a las primeras ideas para mi es sinónimo de que no se generó ningún proceso creativo.
Influencias
Hablános de influencias.
De la misma disciplina mis influencias son sobre cuestiones técnicas, como el desarrollo de la linea, del uso del color, de la pincelada, composiciones y la retórica visual. Cy twombly, Schiele, Zorn, Breccia, Giacometti, Rembrandt, Leonardo. Anselm kiefer, Rohtko, Carlos Nine, Borremans. Vermeer, Sorolla, Steinberg, etc.
Hablános sobre las influencias externas, indirectas.
En cuanto a influencias externas se dan a través del acto creador mismo. Me interesan artistas de cualquier disciplina, cine, danza, poesía, etc. El acto creador es el que los une a todos y es lo que realmente tienen en común, luego desemboca en una forma u otra de materializarse según la disciplina, y es por eso que siento más cercano a Leonardo con Tarkovsky o Joseph Beuys que a algunos pintores figurativos.
Creo que hay un “lugar” desde donde crean sus obras los grandes artistas que trasciende la disciplina y las aspectos formales que utilizan, el contenido y su fuerza son los mismos pero con distinto ropaje. Incluso creo que este proceso trasciende las disciplinas artísticas, el proceso creativo, plástico, es una condición humana, de modo que el material plástico con el que se puede trabajar creativamente y artísticamente no se reduce solo a colores, líneas, notas musicales, palabras, sonidos, etc. Sino que también pueden ser los mismos sucesos cotidianos, los acontecimientos de la vida, y muchas personas (independientemente de su labor) viven artísticamente y la totalidad de sus acontecimientos en la vida son su obra.
Es por eso que a veces personas con una riqueza creativa (mental, emocional o volitiva) que conozco o voy conociendo influencian mi trabajo en la pintura y el dibujo de forma más directa que otro pintor.
¿Qué te ofrece la escultura? ¿Cómo se complementa en tu obra?
En realidad mi trabajo con la escultura es más como un coqueteo, siempre tuve acercamientos a la escultura de forma “amateur”. Aprendí algunas cosas básicas en Bellas Artes, pero es un conocimiento muchísimo más acotado en relación al conocimiento técnico que tengo con la pintura y el dibujo. Por ahora va aportando ese mismo desconocimiento que tengo acerca de los materiales, lo trabajo de una forma más ingenua y me voy sorprendiendo con cada respuesta que va teniendo el material.
Conceptos e ideas
La parte conceptual, el mensaje: ¿surge antes, durante o después?
El concepto surge en y con el proceso. Siempre hay un concepto antes de comenzar, medio vago y difuso pero al cual no le doy mucha importancia, me sirve de anzuelo para ir atrapando imágenes, al ir generando el trabajo el concepto cambia o se profundiza, dando lugar a cuestiones que estaban por fuera de mi inventario antes de comenzar. De esa forma a veces creo lograr un trabajo que escapa a mi dominio, dejando lugar a múltiples significados.
¿Cuáles son tus metas, o a qué te gustaría llegar con lo que hacés?
El objetivo que tengo siempre presente es poder desarrollar algo auténtico, despojado de artilugios, disfraces y pretensiones. Es un desafío diario, de modo que mi meta es lograr hacerlo todos los días.
Palabras finales a modo de cierre.
Solo agradecer por la invitación a participar y a inaugurar el espacio de muestras temporales. Es un lindo reconocimiento poder ser parte en el proyecto de grandes artistas.
